alexandrita

En una pequeña y hermosa ciudad europea hace muchos años, se encontraba Nicolas caminando por un parque muy famoso de la ciudad donde solían reunirse las personas que se interesaban por compartir un momento de sola vida conversando de algún tema de interés.

Nicolas caminaba por el parque observando los hermosos y frondosos árboles que allí se podían observar y a la vez escuchaba el murmullo de todas las personas que allí dialogaban. En este caminar Nicolas observo a los lejos del parque un resplandor amarrillo el cual lo cautivo y quiso acercarse. Cuando llego aquel resplandor se encontró con un jardín lleno de girasoles los cuales eran contemplados y recolectados por una mujer muy hermosa. Nicolas asombrado por la belleza de la mujer se acerco a esta y pregunto su nombre; ella un poco tímida levanto su cara y le respondió Mary y ella inmediatamente giro su mirada al libro que en sus manos se encontraba. Nicolas un poco curioso le pregunto sobre este a lo cual ella respondio que era un libro de un poeta romantico en el cual se caracterizaba por dar una gran importancia a los sentimientos, las emociones y las pasiones, exaltando los sentimientos religiosos, patrióticos y los inspirados en la naturaleza dando gran interés al paisaje como una muestra de la gran imaginación y fantasía que caracteriza a los románticos.

Nicolas impactado al escuchar a la mujer pregunto a esta sobre este movimiento el cual la apasionaba tanto. La mujer muy interesada siguió hablando resaltando el romanticismo como no solo la renovación en el campo literario, sino toda una forma nueva de entender la vida, el mundo, la política y el arte en general. El Romanticismo también creará un hombre nuevo, capaz de plantearse los problemas de su existencia y del mundo desde un punto de vista más emocional y subjetivo.
La llegada del Romanticismo supone la crisis de los ideales ilustrados; una crisis que surge en Inglaterra y Alemania a mediados del siglo XVIII, lo cual hace que surja esta nueva corriente que genero un cambio en todos los ámbitos de la sociedad como la música en la que encontramos que se intentaba expresar estas emociones y describir esas verdades más profundas, mientras preservaba o incluso expandía las estructuras formales del período clásico. Por otra parte los poetas románticos componen sus poemas en medio de un frenesí de sentimientos, plasmando en versos todo cuanto sienten o piensan y de la insatisfacción generada por un mundo frustrante que hizo preferir épocas pasadas al prosaísmo de la contemporánea y de ahí el gusto por las historias medievales manifestadas en dramas, novelas, leyendas, etc. Las cuales a su vez también reflejan un desasosiego espiritual causado por el choque entre lo deseado y lo vivido, por la confrontación entre el ideal y la realidad, el yo y el mundo.

Después de escuchar atenta y sorprendidamente a la mujer Nicolas inicio hablar y decía a la mujer que así como ella se identificaba con esta corriente lo mismo hacia el con el vanguardismo el cual se interesa por innovar o liberar la cantidad de reglas y estamentos que ya estaban establecidos por los movimientos anteriores; por eso comentaba Nicolas que la única regla del vanguardismo era no respetar ninguna regla. La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, y esto se refleja claramente en su poesía debido a que el texto va a ser realizado a partir de la simultaneidad y la yuxtaposición de imágenes rompiendose tanto con la estrofa, la puntuación, la métrica de los versos como con la sintaxis alterando por completo con la estructura tradicional de las composiciones.

Después de charlar durante un largo tiempo, estos quedaron encantados el uno del otro debido a que por fin encontraron alguien que los escuchara y con quien compartir sus ideas y conocimientos y por eso a partir de ese día decidieron involucraste mas en sus temas de interés pues ya tenían alguien con quien comentarlos y hacer de cada momento en aquel parque algo inolvidable.

MÚSICA

Las dos obras musicales que se presentan a continuación pertenecen a dos compositores que crearon su música principalmente bajo la influencia del siglo XIX estos son Ludwig Van Beethoven y Franz Schubert los cuales son dos de lo principales compositores mas destacados del romanticismo, por eso antes de adentrarnos en sus obras vamos a ubicarnos en este periodo y a conocer sus principales características.

INTRODUCCIÓN A LA MÚSICA DEL SIGLO XIX

“en el romanticismo la música va dirigida al corazón”

El romanticismo se ubica aproximadamente entre 1800 y 1890 y en el se destaca la toma del poder social por parte de la burguesía y la imposición de la revolución industrial lo cual refleja grandes cambios económicos, sociales, culturales y esto también abarca a la música.

Los artistas de esta época buscan generar nuevas formas de expresión que les permitan explotar mas su creatividad y la exaltación de las pasiones en todas sus obras dejando un poco de lado la perfección impuesta por el clasicismo.

Uno de los conceptos que triunfa en esta época es el de "el arte por el arte", sin condicionantes. Los artistas van a ser genios creadores que son reconocidos como tales por el resto de la gente.

El romanticismo se caracteriza por ser uno de los periodos en los que la música escribe una de las partes mas importantes de su historia ya que en esta época la música adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del resto de las artes; ya que se le considera el arte que permite transmitir la verdadera esencia de las cosas.

Por otra parte y debido al anhelo de libertad de los artistas se crean obras sin encargo y según sus propios gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina.

La música de esta época busca influir emocionalmente en el oyente, por medio del piano el cual se convierte en el instrumento principal de este periodo ya que gracias a este se logra llevar al espectador a una esfera mas intima.

LUDWIG VAN BEETHOVEN

Beethoven es tal vez el más grande de los compositores de todos los tiempos. Nació en Bonn, Alemania, en el año de 1770 y murió 1827. El padre al igual que el era músico y desde muy pequeño obligó al gran artista a formarse en el ámbito musical. Ludwig desde niño demostró sus dotes musicales ya que a los ocho años dio un concierto en Colonia y tuvo varias actuaciones en Holanda. Su padre que era tenor de la corte y con problemas por su exceso de ingesta de alcohol privó a Beethoven de la libertad de la que gozan los niños encerrándole para que cultivase su formación musical.

En 1786 Beethoven visitó Viena donde conoció a Amadeus Mozart, quien le impartió unas cuantas lecciones sobre música pero al caer su madre enferma tuvo que regresar a Bonn. Fue un tiempo después que el Conde Waldstein quien descubrió el gran músico que Beethoven llevaba dentro y vio que en él al sucesor de Mozart y Haydn; por lo que le recomendó para que se estableciese sin problemas en Viena y pudiera desarrollar allí su carrera musical.
De nuevo Beethoven reaparece en Viena, donde recibe clases de Haydn, Schenk, Salieri, Schuppanzigh, Albrechtsberger y Aloys Föster.

Su primer concierto lo dio el 30 de marzo de 1795 pero el 2 de abril de 1800 será la fecha en la que se presenta oficialmente ante el público con su Gran Concierto para pianoforte, su Septuor y su Primera Sinfonía.

La obra musical de Ludwig van Beethoven se ha inscrito dentro del clasicismo de Mozart y Haydn y el romanticismo de Schumann o Brahms.

Beethoven aporta con su obra diferentes cosas como es la relevancia que da a la música, ya que con él se convierte en el lenguaje por excelencia del hombre romántico. Además Beethoven lleva a la cumbre a la Sinfonía y consigue que el componer no consista tanto en seguir unas reglas sino en expresar los propios sentimientos.

De la personalidad de Beethoven se decía que era un hombre de bondad sin límites y que se guiaba por impulsos ya fuera bien por sentimientos de euforia o por estados de tristeza.

Después de conocer un poco de la vida y obra de este autor tan importante en el mundo de la música los invito a deleitarse con una de sus obras la cual pueden escuchar dando click en el siguiente enlace y a observar algunas pinturas de la época que relaciono con estos sonidos.

Caspar David Friedrich

1810 - 36 años
Paisaje con Arco Iris
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 59 x 84,5 cm.
Museo: Formerly Staatliche Kunstsammlungen

Joseph Tuner

1823 - 48 años

La bahía de Baia, con Apolo y la Sibila
Material: Óleo sobre tela.
Medidas: 145.5 x 239 cm.
Museo: Tate Gallery. Londres

FRANZ SCHUBERT

Nacido el 31 de enero de 1797 en Viena (Austria). Su padre le enseñó a tocar el violín, mientras que su hermano le introdujo en el mundo pianístico. Schubert tocaba tan bien ambos instrumentos que en 1808 consigue entrar en el coro de niños de la Capilla Imperial y empezó a estudiar en un colegio para cantantes de la corte, llamado Konvikt. Ya las primeras canciones del joven como: “Hagars Klage” (1811) y Der Vatermöder (1811) dejaron a los profesores de Schubert muy impactados. Sin embargo, el muchacho cambió la voz al cabo de dos años, por lo que tuvo que abandonar el Konvikt. Entonces comenzó a impartir clases en el colegio de su padre.

A la edad de diecisiete años escribe su primera ópera: “Des Teufels Lustschloss”, su primera misa en fa mayor y diecisiete canciones. Antes de cumplir la mayoría de edad ya había realizado una de sus magnas obras: “Gretchen am Spinnrade”. Se trata del primero de los numerosos lieds inspirados en el gran escritor y poeta romántico: Johann Wolfgang von Goethe. De hecho, a los diecinueve años había creado ya más de 250 lieder. A Schubert el lied se le daba de maravilla y es en esta forma en lo que destacó. El lied es, simplemente, una canción corta de índole romántica. Nuestro protagonista tenía gran facilidad para ello y sólo en el período de 1815 a 1816 compuso más de 150 lieder, todos ellos de gran calidad.

Schubert era el genio del lied. Así, muchas de sus canciones se interpretaban en reuniones amistosas llamadas: “schubertiadas”. Eran veladas divertidas que contaban con la presencia de artistas de la época y lo que se hacía mayoritariamente, a parte de ejercer el arte de las relaciones públicas, era sobre todo leer e interpretar canciones de una forma distendida y alegre. Sobre sus propias melodías Schubert comentaba que éstas surgían de tal forma: “Mis canciones proceden del doble conocimiento de la música y de mi dolor”. Otra de sus citas famosas sobre el mismo tema es la siguiente: “Durante muchos, muchos años, canté mis canciones. Si me proponía cantar el amor, se convertía en dolor. Y si sólo quería cantar el dolor, éste se convertía en amor. Así, el amor y la pena se repartieron en mi ser”.

El músico vienés era un gran admirador de Beethoven, pero aunque ambos fueran de la misma ciudad, Schubert no llegó a ser muy reconocido en vida. Es el primer célebre compositor de la historia que no dio recitales públicos y por ello no logró promocionar su música. Su fama era más bien local, ya que nunca se fue de Viena por mucho tiempo. Sin embargo, Schubert tenía cierto prestigio en su ciudad natal y a medida que éste iba creciendo, se le iban presentando algunas oportunidades. Varios editores se interesaron en él, pero en vida fueron pocas las obras relevantes publicadas. Ninguna de sus sinfonías se imprimió, sólo se publicó uno de los diecinueve cuartetos para cuerda, tres de las veintiuna sonatas para piano, ninguna de las diez óperas y sólo 187 de sus 600 canciones. Muchos no supieron ver el talento que había en él. Sobre éstos, Schubert dijo: “…Con el corazón lleno de un amor infinito por los que me rechazaban, volví a vagar por tierras desconocidas”. Él era muy consciente de su poco éxito de cara al gran público. Por ello solía comentar: “¿No me merezco, yo también, un lugar en esta tierra?”.

En los últimos tiempos de su existencia parecía que el rumbo de su vida iba a cambiar. Durante estos años escribió obras magistrales como: “Wanderer- Fantasie” (1822) o “Die schöne Müllerin” (1823). Son composiciones inspiradas en poemas de Wilhelm Müller. Luego, el gran dolor del fin de sus días quedó plasmado a la perfección en la obra de 1827: “Winterreise” (Viaje de invierno). Scubert tenía sólo 31 años y se acababa de matricular para estudiar fuga. En 1828 no fueron pocas las firmas interesadas en el autor, pero entonces, a principios de noviembre se puso enfermo. El diecinueve de dicho mes falleció a causa de una fiebre tifoidea.

Después de cuarenta años de la muerte de Scubert, el mundo entero comprendió al fin el talento del artista. Así, se empezó a difundir su música, que fue de gran inspiración para otros genios como: Brahms, Brückner, Dvorak y Mahler. Hoy en día, el peso que ha tenido Schubert en el campo musical ni siquiera se cuestiona. Este grande entre los grandes, juntamente con Beethoven, asentó las primeras bases del Romanticismo.

Después de conocer un poco la vida y obra de este personaje los invito a deleitarnos con su música y a observar algunas obras de la época que relaciono con esta música

http://www.youtube.com/watch?v=LG8jjcvXNjg&feature=related

1836 - 35 años
La via del imperio: Desolación
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 99.7 x 160.3 cm.
Museo: The New York Historical Society. New York

ARTE CINÉTICO

En esta exposición vamos a observar obras de algunos artistas que han ilustrado este estilo artístico

JESÚS RAFAEL SOTO

Pintor y escultor venezolano, figurativo en sus comienzos, que derivó al cubismo, la abstracción geométrica y el cinetismo virtual. Uno de sus mayores logros fue integrar al espectador en la obra con la creación de espacios penetrables. Nació en 1923 en Ciudad Bolívar, Venezuela, donde realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas entre 1942 y 1947.

METAMORFOSIS 1954
Material: Plexiglás y esmalte sobre madera.
Medidas: 100 x 100 cm.
Museo: Museo de Arte Moderno Jesús Soto. Ciudad Bolívar

En sus primeras obras se acusa la influencia de Paul Cézanne y el gusto por la geometrización de las formas en los paisajes naturalezas muertas, retratos, pero con su traslado a París, donde toma contacto con las vanguardias y estudia a Malevitch y Mondrian, evoluciona hacia una abstracción geométrica. Las primeras obras parisinas corresponden a su preocupación por crear superficies de dinamismo visual en base al color, la forma geométrica y la ambigüedad forma-fondo

CONTRASTE

Jesús Rafael Soto

Venezuela 1990

Técnica mixta

Este pintor trabaja con la arquitectura y con los cuadrados instalados. Trabaja directamente sobre la tierra y va adicionando cuadrado por cuadrado lo que se va proponiendo. Posteriormente cuando todo los elementos ya están distribuidos según el pintor ellos tienen su orden, un orden que no esta buscado y tienen entre ellos una especie de estructura que construye ese mundo abstracto, non figurativo. No tiene una composición pero tiene una distribución matemática, geométrica muy exacta porque cada elemento tiene una relación espacial.

AMBIVALENCIA DIAGONAL VIRTUAL 1985
Material: Acrílico sobre metal y madera.
Medidas: 103 x 103 cm.
Museo: Colección del Pintor. Caracas

Según el pintor todo espacio es la densidad del espacio y todas las personas observan las obras y tienen una diferente interpretación del espacio y se preguntan “¿Qué pasa aquí?” La razón es que no hay nada. Hay solo unos elementos repetidos de lo que permitan hacer al pintor, porque según Jesús Rafael Soto realmente es una cosa infinita y lo que se observa es solamente un trozo de espacio dominado de la geometría. El no es sino un testimonio pequeñito del universo espacial

ALEXANDER CALDER

Famoso por sus móviles, considerado como uno de los artistas más innovadores e ingeniosos del siglo XX. Nació el 22 de julio de 1898 en Filadelfia. En 1919 obtuvo el título de ingeniero en el Instituto Stevens de Tecnología. En 1923 ingresó en la Asociación de Estudiantes de Arte de Nueva York y en el otoño de 1926 se instaló en París.

Aunque sus esculturas de piedra, madera y bronce, así como sus dibujos y pinturas de la última época, son importantes, la reputación de Calder se debe principalmente a sus móviles y estables.

LES OIGNONS

Firmada a lapiz

Año: 1965

Medidas: 75x52cm

Pintor: Alexander Calder

Obra gráfica de Edición Limitada de Alexander Calder, escultor, pintor y grabador estadounidense, que modificó los principios del diseño plástico, al hacer del movimiento y del color los elementos principales de sus obras.

BIRD’S NEST

Año: 1971

Medidas: 114x75 cm

Pintor: Alexander Calder

VICTOR VASARELY

Pintor húngaro, nació en 1906 y se convirtió la figura más importante del Arte Cinético pasando primero por las vanguardias, el cubismo constructivista y la escuela alemana la Bauhaus. Entre 1935-1947 ya se fue estableciendo como pintor abstracto.

A partir de los años 50 la obra de Vasarely se enfocó básicamente hacia la sociedad, estableciéndose un compromiso entre esta y el artista.

TIGRES

Año: 1938

Pintor: Victor Vasarely

En las obras que aquí se muestran podemos observar claramente el estudio de la continuidad perceptiva, con líneas curvas que provocan movimiento también en sentido curvo. Este movimiento en superficies planas se crea retorciendo los cuerpos, diferenciando los contornos a través del contrate de líneas gruesas y estrechas así como de los colores de los cuerpos y fondos. En ambas pinturas se observa como Vasarely retuerce a los animales de dos en dos , contraponiendo a este equilibrio de figuras el enfrentamiento de las cabezas, tanto de tigres como de cebras.

CEBRAS

Año: 1939

Pintor: Victor Vasarely

Taymir es una obra en la cual no se reconocen las figuras, solo son superficies puntiagudas de colores lisos. Predominan los cuadrados, en los cuales se forman a través del color otras superficies como trapecios , rombos o simplemente líneas.

TAYMIR

Año: 1958

Pintor: Victor Vasarely

En esta obra se consigue sólo recurriendo a la oposición de colores y a la llamada “trampa al ojo” el efecto de profundidad y el de movimiento. Vasarely utiliza esta vez cuadrados y rombos: los rombos rompen el equilibrio del cuadro creando así el movimiento; y el contraste de colores es el que produce la profundidad.

TILINKO

Año: 1955

Pintor: Victor Vasarely

Aquí se puede observar la simplicidad de las formas así como de la obra ya que solo se utilizan dos figuras geométricas, el cuadrado y el rombo, añadiendo, como no, el contraste de colores.

MALEVITCH

Año: 1953

Pintor: Victor Vasarely

En esta obra se utiliza también la trampa al ojo, consiguiendo hacer creer que la superficie se abomba y se transforma en esfera. Vasarely utiliza las líneas rectas combinadas con las curvas y además las gradaciones cromáticas para dar la sensación de movimiento, es decir hace Arte Cinético.

BOO

Año: 1978

Pintor: Victor Vasarely

MODERNISMO Y SUS CARACTERISTICAS

La modernismo surge con el objetivo de generar un cambio ontológico del modo de regulación de la reproducción social basado en una transformación del sentido temporal de la legitimidad. El modernismo se da como la posibilidad política reflexiva de cambiar las reglas del juego de la vida social, gracias a unas condiciones históricas materiales que permiten pensar la emancipación conjunta de las tradiciones, las doctrinas o las ideologías heredadas, y no problematizadas por una cultura tradicional.

Es importante destacar que el término modernismo posee diversas interpretaciones pero dos son sus posturas:

• “La más estricta, considera al Modernismo como un movimiento literario bien definido que se desarrolla entre 1887 y 1915, cuya cima es Rubén Darío.

• A lo anterior se oponen quienes piensan que el Modernismo no es solo un movimiento literario sino una época y una actitud”1

Cabe destacar que el paso a la modernismo genera cambios también en la parte literaria ya que en entornos como en el de la poesía y el género narrativo se generaron unas reglas más prefijadas que marcaron aun mas el paso a esta nueva forma de pensamiento.

Entre las características mas sobresalientes de modernismo se encuentran:

· La poesía pasa de ser de una forma de expresión de tipo social a un nuevo concepto de arte tomado de los parnasianos franceses.

· Actitud aristocratizante y preciosismo

· Búsqueda de la perfección formal

· El color azul y el cisne se destacan como favoritos de los modernistas. El azul simboliza la libertad y el cisne representa la actitud aristocratizante

· Búsqueda de la belleza, que -según los modernistas- se consigue a través de imágenes muy plásticas, de una adjetivación en la que predomina el color y los matices relacionados con los cinco sentidos del cuerpo, de la musicalidad mediante el abuso de la aliteración y los ritmos muy marcados y la utilización de la sinestesia

• Los modernistas utilizaban unos símbolos que eran inspirados en la naturaleza, como por ejemplo: los atardeceres, las mariposas, los cisnes, etc.
• Son individualistas
• Tenían un gran deseo de innovar y llegar a perfeccionarse como era la literatura europea.

1 Crespo, Ángel (ed.): Antología de la poesía modernista. Tarragona, Tarraco, 1980.

• En cuanto al léxico, el Modernismo inventa o pone de moda un caudal de palabras favoritas y de neologismos cultos, griegos y latinos, según el gusto que se diría heredado del gongorismo, pero con un sabor moderno muy singu­lar; se añaden barbarismos de toda índole (morfológicos, sintácticos, semánticos), especialmente de origen francés e inglés.